La historia de la música clásica occidental se puede dividir en seis períodos de tiempo principales. El Renacimiento es el segundo de ellos, uniendo la Edad Media, que le precedió, y el Barroco que le siguió.
Esta guía resumirá parte de la historia de la era, las características musicales y los compositores importantes, para brindarle una comprensión más profunda del período del Renacimiento. También proporcionaremos algunos enlaces de YouTube a piezas relevantes para que pueda conocer un poco mejor el sonido de la música.
La era de la música renacentista
Renacimiento significa literalmente «renacimiento».
El período del Renacimiento musical duró de 1400 a 1600 d. C. y fue una época de gran crecimiento y desarrollo, con una música cada vez más expresiva, variada y compleja.
Los compositores tenían más libertad para escribir como quisieran y los avances tecnológicos significaron que su música podía llegar a más personas.
Cambio social
La música religiosa todavía era omnipresente en el período del Renacimiento, pero la disminución de la influencia de la iglesia significó que los compositores obtuvieron más libertad artística y se les permitió escribir música creativa por sí misma.
Ha habido un resurgimiento reciente del interés por las culturas antiguas, y los compositores comenzaron a inspirarse en el arte y la mitología de las antiguas Grecia y Roma, así como en la astronomía y las matemáticas.
Cuando se desarrollaron formas primitivas de notar música en el período medieval , los compositores pudieron documentar y compartir sus piezas más fácilmente, pero aún tenían que escribirlas a mano, lo que consumía mucho tiempo.
Sin embargo, la invención de la imprenta en 1439 permitió una distribución mucho más amplia, lo que dio lugar a un rico intercambio de ideas en toda Europa.
Además, el crecimiento de una clase burguesa (una clase media-alta culta) significó que ahora había una audiencia preparada para la música escrita, ya que la educación musical floreció y un número cada vez mayor aprendió a leer música.
Sobrevive mucha más música de este período en comparación con la era medieval.
Iglesia y música secular
La música coral religiosa fue dominante al comienzo del período del Renacimiento, y gran parte de ella se basó en la polifonía (música que tiene dos o más partes melódicas independientes simultáneas) que se desarrolló al final del período medieval.
Los motetes y las misas eran dos ejemplos comunes de esto, y estos últimos formaban parte de la liturgia de la iglesia.
Los estilos sagrado y secular comenzaron a influirse mutuamente: el madrigal (tradicionalmente una canción no religiosa sin acompañamiento para varias voces) se adoptó como forma de iglesia, mientras que los compositores seculares comenzaron a escribir motetes.
Al comienzo del período del Renacimiento, las oportunidades para los compositores seculares eran limitadas, y la mayoría de los empleos provenían de las cortes (hogares y residencias de los soberanos), que contrataban a músicos como intérpretes, maestros y compositores.
Pero la música secular aumentó en popularidad a medida que pasaba el tiempo, y los compositores ahora podían recibir encargos de aficionados adinerados, mientras que la nueva música impresa también brindaba oportunidades financieras.
La Reforma protestante también significó que ahora tanto las iglesias católicas como las protestantes requirieran música para sus respectivos servicios.
La música secular era en gran parte vocal, pero el período vio el desarrollo de la música instrumental por derecho propio.
Ya no se trataba de música de baile o de acompañamiento, por ejemplo, sino de piezas para escuchar con seriedad.
Esto estaba en consonancia con un cambio general en el período del Renacimiento hacia la idea de crear arte por el arte .
Fantasia de William Byrd (una imitación instrumental de un motete) es un ejemplo de esto:
Las formas de canciones seculares incluyeron:
- mintió (alemán)
- Frottola (italiano)
- Chanson (francés)
- Madrigal (Italian)
- Villancico (Spanish)
La ópera, una combinación de teatro y música vocal que se volvería increíblemente popular en los siglos siguientes, se desarrolló en Italia a fines del Renacimiento.
Dafne de Jacopo Peri es considerada por muchos como la primera ópera.
Compuesto alrededor de 1597/1598, fue un intento de revivir el estilo del drama griego clásico.
Armonía y Estilo
El sistema armónico modal del período medieval (música basada en escalas o modos) se mantuvo al comienzo de la era del Renacimiento.
Las reglas para el contrapunto (la relación entre líneas musicales interdependientes simultáneas) se volvieron más complicadas y estrictas con respecto a qué intervalos se consideran consonantes y cuáles son disonantes.
Se empezaron a utilizar intervalos de una tercera y una sexta, y esto condujo al primer uso de tríadas, acordes de tres notas que sustentan gran parte de la música occidental actual.
Aparte de las estrictas reglas que rodean al contrapunto, los compositores tenían mucha más libertad para ser expresivos.
Muchos ahora intentaron incluir emoción en su música, y esto se vio favorecido por un rango vocal mucho mayor en comparación con el período medieval y una variedad mucho mayor en elementos como el ritmo y la forma.
Se comenzaron a agregar alteraciones a los modos de la iglesia, y el enfoque modal gradualmente comenzó a ser reemplazado por la tonalidad funcional (el sistema armónico basado en el centro clave que regiría la música durante los próximos cientos de años), con un enfoque en progresiones de acordes, menores y tonalidad mayor y movimiento fundamental basado en el círculo de quintas .
Esto abrió el camino hacia la práctica común de la armonía que se establecería plenamente en el período barroco.
Empezaron a surgir texturas más ricas, con compositores que utilizaban cuatro o más partes independientes. Intentarían cada vez más hacer que estas partes se mezclaran, con la imitación como un dispositivo clave que se utilizó para ayudar a lograr esto.
La obra de finales del Renacimiento de compositores como Gregorio Allegri y Giovanni Pierluigi da Palestrina, escrita para grandes grupos corales, es grandiosa e intrincada.
Notación y Teoría
Las partituras musicales aún no eran de uso común, por lo que las piezas del Renacimiento solo se anotaron en partes individuales.
Las barras de compás aún no eran comunes y los valores de las notas eran generalmente mucho más largos de lo que veríamos hoy.
Semibreves y breves eran las unidades rítmicas primarias, en lugar de crotchets y minims, por lo que una pieza musical escrita durante este tiempo se vería muy diferente a una pieza moderna.
Compositores del Renacimiento
Los compositores del norte de Francia y los Países Bajos, donde las cortes apoyaban particularmente las artes, dominaron el comienzo de la era del Renacimiento.
Más tarde, Italia creció en prominencia, produciendo muchos compositores notables.
Artistas de otros lugares también se mudaron al país, y fue en Italia donde comenzarían muchas de las primeras innovaciones del período barroco.
Los compositores importantes del Renacimiento incluyen:
- Josquin des Prez (1450/55-1521) – un francés que escribió obras tanto seculares como sagradas
- Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594): compositor italiano de obras religiosas y un famoso exponente de la Escuela Romana.
- Thomas Tallis (1505 – 1585): uno de los mejores compositores de Inglaterra, más conocido por sus obras corales.
- Guillaume Du Fay (1397-1474): compositor y teórico de la música franco-flamenco
- Orlande de Lassus (1530-1594) – compositora franco-flamenca de música polifónica
Aquí hay una pieza vocal de des Prez:
Instrumentos del Renacimiento
Muchos instrumentos utilizados en la era del Renacimiento fueron precursores de los instrumentos modernos, y algunos de ellos se desarrollaron en nuevas formas en esta época.
Los instrumentos de metal incluían la trompeta, que en ese momento no tenía válvulas y se usaba mucho en el ejército, y el saco, una versión temprana del trombón que reemplazó a la trompeta deslizante.
La viola, o viola da gamba, era un instrumento de seis cuerdas que se tocaba con un arco mientras descansaba en el suelo, de manera similar a un violonchelo moderno.
La lira era otro miembro de la familia de las cuerdas: similar a un arpa moderna en miniatura, se rasgueaba con una púa en lugar de tocarla con los dedos.
La chirimía (un tubo de madera de doble lengüeta), la flauta travesera y la flauta dulce se tocaban comúnmente como instrumentos de viento de madera, mientras que los instrumentos de teclado populares incluían el clavicémbalo, el clavicordio y el virginal.
Los desarrollos tecnológicos en la fabricación de instrumentos dieron a los conjuntos acceso a rangos más amplios y una mayor variedad de texturas, mientras que los conjuntos también crecieron en tamaño.
Las piezas se volvieron más desafiantes y ahora se escribieron para instrumentos específicos por primera vez.
Conclusión
Entonces, eso concluye nuestra mirada al período del Renacimiento.
Hemos aprendido cómo la música avanzó desde el período medieval, desarrollándose en complejidad y variedad, antes de que la nueva tecnología y un nuevo enfoque de la armonía allanaran el camino para el período barroco.
Esperamos que le resulte útil e informativo, y que pueda inspirarle a escuchar más sonidos maravillosos de artistas como Palestrina, Byrd y des Prez.